The Way I See

Through this project comprised with a series of portraits, I attempted to explore the meaning of contemporary portraiture. It was held as a touring exhibition in 2013 supported by Arts Council England; first at the Sugar Store Gallery, Brewery Arts Centre in Kendal followed by the installation at the Japan House Gallery, Daiwa Anglo-Japanese Foundation in London. 

一連のポートレート作品で構成された本プロジェクトは、現代美術における肖像の意味を模索するものとして構想した。本プロジェクトは2013年、英国芸術協議会(Arts Council England)より助成を受けて、ブルーワリー・アーツ・センター(ケンダル)と大和日英基金のジャパン・ハウス・ギャラリー(ロンドン)にて巡回展として発表された。

1/4

  This project is based in the English Lake District, one of the most famous natural landscapes in the world, which was recognised by the Romantic poet William Wordsworth, who wrote about the relationship between people and nature, and tried to stem the tide of modernisation occurring through the Industrial Revolution, and later conserved in large part due to the efforts of people such as Beatrix Potter, the writer and illustrator who was also a well-known conservationist, and who donated land and farms purchased with the proceeds of her picture books to the National Trust. During the tourist season, many tourists from around the world, including Japan, visit the Lake District, but at the same time, Cumbria has one of the lowest ethnic minority populations in the UK. Despite experiencing difficulties in the past few years such as flooding and a shooting incident, the area remains one of the most popular and beautiful landscapes in the UK. In this project, as a Japanese artist living and working in the Lake District, I attempted a personal artistic approach to communication on a new level, on the subject of the Lake District.

Despite the extraordinary progress of information technology, "seeing" has remained the core activity of the human cognitive process from the prehistoric era to this very day and into the future. This evidence could be supported by the fact among colour scientists that 87% of all information taken through human five senses (sight, hearing, smell, taste and touch) depends upon the sense of sight. For this project I would explore the potential of the core cognitive process, attempting an artistic approach via seeing, to implement a process from cognition to abstract interpretation through understanding, and through creativity to artistic expression. This visual approach involves a series of portraits of people who I have come to know personally since moving to the Lake District. 

This project, generously supported by Arts Council England, was initially conceived with the work “dialogue with anonymity” which I created in 2009. It is not a simple depiction of individuals, but my attempt at pushing the boundaries of contemporary portraiture. For this reason, each work is composed in diptych style, one part featuring the person in question, and the other featuring a carpet of fallen leaves, observed in the Lake District, as a comparative image. Furthermore, when the images of this carpet of fallen leaves are put in consecutive order, the whole image will form one large carpet of fallen leaves. I see fallen leaves on a macro level as indicating the "autumn" of civilisation inspired by Dutch historian Johan Huizinga with his work "The Autumn of the Middle Ages"; and at a micro level as a metaphor for the frailty of individual existence. They are also an amplification of the concept of "Memento Mori" (consider mortality), which is seen in the Western art throughout history. This juxtaposition also reflects the idea of Caravaggio who introduced “still life” for the first time as equally sacred as Biblical figure paintings in Baroque era. Hence the image of fallen leaves for this project symbolises the crisis facing us at many levels in the "autumn of civilisation" – political, military, economic, cultural, ideological, religious, philosophical, social, historical and environmental.

At the same time, they are an attempt to address the root problem of visual images – the fact that the visual image cannot be "negative" as language or text can be. It is not, for example, possible to paint a picture of the statement "There is not a cup on the table". Renee Magritte is possibly the only artist to have attempted to express the negative concept that can be done so easily in words via visual media. Through painting a picture of a pipe, but adding text below it that reads "This is not a pipe", he negates the visual existence of the pipe. In this project, the image of fallen leaves is a metaphor for the negation of the existence of a model, usually required for a portrait. I attempted to express the "negative" by depicting each fallen leaf as an analogy of the vast majority of people in the world who have never been, and will never be, the subject of a portrait. These people are certainly in the “majority", yet so often represent “minority” groups of people. Doing this allows us to consider the possibility of a visual language that questions the true meaning of the vulnerability and dignity of humanity, by bringing the "privilege" of the sitter for a portrait down to the level of nonexistence. This series comprises 12 such portraits, in line with the number used to indicate the basic unit of time, in order to promote the possibility of a more universal conversation. 

This series, based on the concepts outlined above, was completed by the unique brush hatching technique using Japanese sumi ink and acrylic, which I created in reference to neurological research and the Florentine Renaissance concept of disegno, in a series of painstakingly completed line-based paintings. The use of Japanese sumi ink that I could reach for reflecting my ethnic and cultural roots, and engaging in how to bridge East and West creates the essential style of my art practice. Through my creative practice with this unique technique, I’m questioning how the significance of painting (drawing), which preceded the invention of letters, has shifted and evolved as the core expression of the cognitive process unique to humanity in the context of our contemporary meaning. Hence, this series was realised as part of a creative process of my fundamental attempt to embody the question “What is the meaning of existence?”, through the medium of art. 

  産業革命による近代化の波に抗い、自然と人間との関係性を叙情豊かな詩情に昇華したロマン派詩人ウィリアム・ワーズワースをはじめ、ナショナル・トラスト運動に多大な貢献を果たした絵本作家であり自然環境保護活動家としてもつとに知られるビアトリクス・ポターなどの尽力により、現在でも世界で指折りの景勝地として名を留める湖水地方。観光シーズンには多くの日本人で賑わう湖水地方を含むカンブリア州は、また他国人の全人口に占める割合がイギリス国内で最も低いことでも知られる。洪水、ライフル乱射殺人事件など、近年幾多の艱難に見舞われながら、なおもイギリス随一の景勝を留め、世界中の人々を魅了し続ける湖水地方において、当地を拠点に活動する日本人美術家として、この湖水地方を主題とした極私的レベルでの芸術的アプローチを試み、新たなコミュニケーションの可能性を探ろうと考えたのが、本プロジェクトの始まりだった。


ところで、情報科学の飛躍的進歩にもかかわらず、“見る”という行為は、有史以前から今日に至るまで、さらに将来にわたって、人間の認知プロセスにおけるコアの活動であるに相違ない。それは、視覚、聴覚、嗅覚、味覚、触覚の感覚5器官を通して人間が外界から摂取する情報のうち、その87%を視覚に負っているとの、色彩科学の分野における見解にも明らかだ。本プロジェクトでは、この“見る”というコアの認知行為に焦点を絞り、認知から理解を経て抽象解釈、そして創造性を介して芸術表現へと至るプロセスにおける、極私的な芸術的アプローチを試みた。

本シリーズでは、日本人美術家として湖水地方を拠点に活動を始めて以来、ボクが日常的かつ個人的に知るようになった湖水地方の人々のポートレイト・シリーズとしてプロジェクトを構想した。しかし、それは単なる特定個人の肖像に留まらない、コンテンポラリー・ポートレイトの可能性に挑む試みだ。そのため、全作品は二連画形式を採用し、人物の対となるイメージは湖水地方で観察された落ち葉のシリーズで構成されるよう構想。しかも、この落ち葉のシリーズをまとめると一つの敷き詰められた落ち葉のイメージとして完結し、これを通して美術家の個人視点で結び合わされた個々の肖像が、マクロ視点でも統合される作品として完結する。ボクにとって落ち葉は、マクロでは文明の秋を、またミクロでは個人存在の脆弱さを示すメタファーの一つであり、バロック美術に顕著な“メメント・モリ(死を思え)”という思想の敷衍だ。また、この二連画の対比は、聖書主題の人物画を聖としたバロック時代にあって、それと同様に聖なる主題として静物画を初めて位置づけたカラヴァッジオの思想を反映したものだ。本作品における落ち葉は、文明の秋に直面する現代人の政治的・軍事的・経済的・文化的・イデオロギー的・宗教的・哲学的・社会的・歴史的・地球環境的など、多角的な局面における危機の象徴的枠組みとして人物に対比される。

それはまた、視覚イメージ(映像)の孕む根本問題、すなわち「視覚イメージは“否定形”を表現できない」ことへの挑戦ともなっている。たとえば、「テーブルの上にコップがない」という視覚イメージは描くことができない。この文字が獲得した“否定形”への美術的挑戦を果たしたのは、おそらくルネ・マグリットだけではないかと思う。パイプを描きながら、その絵の下に「これはパイプではない」というテキストを挿入することによって、パイプとしての見かけの存在を否定したわけだ。本作品では、落ち葉のイメージをメタファーとして、ポートレイトが通常要求するところのモデルの現前性を否定しつつ、過去・現在・未来において描かれることのなかった/ない/ないであろう圧倒的大多数の存在者(往々にして弱者でもある)を象徴的に描き上げることで、“否定形”への美術的挑戦を試みている。それによって、ポートレイトの持つモデルの特権性を剥奪して非在の地平に降ろし、人間存在の脆弱性・尊厳についてその真意を問う視覚言語の可能性を模索している。また、本シリーズを、人間の日常の営みの基本的時間単位である12進法を基調とした12作品として完結させることで、より普遍的な対話の可能性をも指向している。

以上のコンセプトの下に統合された本シリーズは、また脳生理学研究や初期ルネッサンスの最大の成果であるディセーニョなどに触発されてボク自身が開発した、日本の墨とアクリルの併用による線描技法によって緻密に仕上げられている。墨の使用は、自らの民族的・文化的ルーツを尋ね、西洋と東洋を結ぶ表現の可能性を模索する一美術家のたどり着いた様式にほかならない。そして、この技法を通して人間固有の認知と思考のプロセスの発露としての絵画(ドローイング)の位置が、文字の発明によってどのように変化し発展を遂げたのか、その今日的な意味を問い直しているのだ。それは、ほかでもない“人間存在とは何か”という問いかけに、美術という肉体を付与しようという試みであり、本プロジェクトはその一環として、視覚美術における鑑賞者との新たな対話の可能性を模索したものだ。

Arts Council England
Brewery Arts Centre
Daiwa Anglo-Japanese Foundation

Japanese artist in the Lake District | イギリス湖水地方の日本人美術家 | United Kingdom

Hideyuki Sobue's Portfolio | Copyright © Hideyuki Sobue. All rights reserved.

  • Email
  • Instagram - White Circle
  • Facebook - White Circle
  • Twitter - White Circle
  • LinkedIn - White Circle